Gegen das Vergessen: die Anfänge

Am Anfang des Porträts steht der Tod. Die berühmten Mumienporträts aus dem Fajum in Ägypten – in Wachsfarben auf Holz gemalt, den Verstorbenen aufs Grabtuch gebunden – zeigen schon vor fast zweitausend Jahren erstaunlich individuelle Gesichter: große Augen, die den Betrachter über die Jahrtausende hinweg ansehen. Auch das römische Bildnis diente dem Gedenken; die schonungslos realistischen Ahnenporträts der Republik hielten fest, wer einer war. Diese Urfunktion hat das Porträt nie verloren: Es ist ein Einspruch gegen das Verschwinden – ein Gesicht soll bleiben, wenn der Mensch geht.

Die Renaissance entdeckt das Individuum

Nach Jahrhunderten, in denen die christliche Kunst Heilige statt Bürger zeigte, kehrte das individuelle Bildnis in der Renaissance machtvoll zurück – zuerst im Profil nach antikem Münzvorbild, dann in der Dreiviertelansicht, die den Dargestellten dem Betrachter zuwendet. Das Porträt wurde zum Medium des neuen Selbstbewusstseins: Kaufleute, Gelehrte und Fürsten ließen sich malen, Albrecht Dürer erhob mit seinen Selbstbildnissen den Künstler selbst zum würdigen Gegenstand. Hans Holbein der Jüngere führte am englischen Hof vor, was das Genre konnte: Bildnisse von solcher Präzision, dass Heinrich VIII. ihn als eine Art Gesandten einsetzte – das gemalte Gesicht als Information, Diplomatie und Beweisstück.

Rembrandt: das Porträt wird Seelenkunde

Die Frage, ob ein Porträt mehr zeigen kann als Ähnlichkeit, beantwortete Rembrandt mit seinem eigenen Gesicht: In rund achtzig Selbstbildnissen – gemalt, radiert, gezeichnet – protokollierte er sich vom übermütigen Jüngling bis zum gezeichneten Alten. Die späten Selbstporträts, entstanden nach Bankrott und Verlusten, gehören zum Erschütterndsten der Kunstgeschichte: Ein Mensch sieht sich selbst beim Altern zu, ohne Beschönigung, mit einer Wahrhaftigkeit, die jede Eitelkeit hinter sich gelassen hat. Seit Rembrandt ist klar, was das Porträt im Kern verhandelt: nicht die Form eines Gesichts, sondern die Spur eines gelebten Lebens darin.

Der Schock der Fotografie

Als die Fotografie ab 1839 das Abbild automatisierte, schien das gemalte Porträt erledigt – Ähnlichkeit gab es nun schneller, billiger und unbestechlicher. Tatsächlich starb nur das Routinebildnis; die Kunst antwortete, indem sie das Porträt neu begründete: Es sollte fortan zeigen, was die Kamera nicht sieht. Van Gogh malte Gesichter in Farben der Empfindung, Picasso zerlegte sie in Ansichten, Francis Bacon verschliff sie zu Schreien, Lucian Freud baute sie aus zäher Farbmaterie wieder auf. Die Fotografie selbst wurde dabei zur eigenen Porträtkunst – doch die Lektion blieb: Seit es das fotografische Abbild gibt, muss jedes gemalte oder gezeichnete Porträt eine Antwort auf die Frage sein, warum es gemalt wurde.

Porträt und Identität

Das Porträt ist nie neutral. Wer gemalt wird – und wer nicht – sagt etwas über eine Gesellschaft: Jahrhundertelang dominierten in westlichen Sammlungen weiße Männer, aristokratische Frauen und kirchliche Würdenträger; alles andere blieb unsichtbar. Seit den 1990er Jahren hat das Genre eine politische Schärfe gewonnen, die es ins Zentrum zeitgenössischer Debatten gestellt hat. Die britisch-ghanaische Malerin Lynette Yiadom-Boakye (*1977) malt erfundene Schwarze Figuren in klassischer Manier – porträtiert Menschen, die es nicht gibt, und zwingt damit den Blick auf die Leerstellen des Genres. Marlene Dumas (*1953) nähert sich dem Gesicht mit Wasser, Tusche und Tempera bis zur Auflösung: Ihre Figuren pendeln zwischen Intimität und Entfremdung. Jordan Casteel (*1989) porträtiert ihr Harlem-Umfeld in leuchtenden Farben als Würdigung des Alltäglichen. Sie alle nutzen das älteste bildliche Genre als Befragungsinstrument: Wessen Gesicht zählt, wer schaut zurück, welche Körper verdienen Aufmerksamkeit?

Das Porträt heute

Im Zeitalter des Selfies, in dem täglich Milliarden Gesichter fotografiert werden, hat das gezeichnete und gemalte Porträt eine neue Kostbarkeit gewonnen: Es ist langsam. Wer sich porträtieren lässt – oder ein Porträt erwirbt –, bekommt das Gegenteil des Schnappschusses: Zeit, Konzentration und Deutung in einem Bild. Welche Kraft das Genre besitzt, zeigte sich 2018 an einem der meistbeachteten Porträt-Ereignisse der jüngeren Geschichte: Kehinde Wiley und Amy Sherald malten die offiziellen Bildnisse von Barack und Michelle Obama – das gemalte Staatsporträt als weltweites Gesprächsthema. Malerinnen wie Elizabeth Peyton halten zugleich das intime, kleinformatige Bildnis seit den 1990er Jahren im Zentrum der Gegenwartskunst. Auch das Auftragsporträt lebt: Viele Künstlerinnen und Künstler porträtieren nach Vereinbarung – das älteste Bildthema der Welt, weiterhin von Hand.